Il tema dei cavalli,
affrontato le prime volte nel 1969, diventa ricorrente nel 1970.
Ritengo particolarmente importanti, a tale riguardo, due guazzi
intitolati entrambi Nitrito di cavalli (foto nn. 10 e
11), nei quali
dei cavalli, tracciati con segni liberi, sciolti e tormentati,
rivolgendosi al cielo emettono nitriti aventi la parvenza di
ululati insistenti, cupi e lamentosi, ed esprimono con essi la
disperazione dovuta alla sofferta condizione esistenziale dell'uomo,
che spesso si trova a dover sopportare un fardello che pare eccessivo.
Il cavallo e il suo nitrito diventano dunque metafora dell'uomo
e della sua angoscia. L'apice della tragicità espressionista
è però raggiunto da un altro guazzo, Figura
a cavallo (foto
n. 12), in cui
la violenza ed il groviglio delle pennellate rendono le forme
sconvolte e straziate dal dolore. Francesco mi confidò
un giorno di aver realizzato quest'opera probabilmente nel periodo
più travagliato della propria esistenza, a causa delle
turbolente vicende familiari che stava allora vivendo.
Nel 1972 le composizioni aventi per oggetto i cavalli, pur conservando
una notevole carica espressiva, presentano una gestualità
più controllata e raggiungono un maggior equilibrio, risultando
ancor più piacevoli dal punto di vista estetico (foto n. 13). In questo periodo l'artista
vende molti lavori, soprattutto guazzi e tecniche miste, e diventa
noto nel bellunese come "il pittore di cavalli". Se
dovessi oggi riconoscere, tra cento diverse rappresentazioni
di destrieri realizzate da altrettanti artisti, qual è
quella eseguita da Francesco, penso che non avrei grosse difficoltà
ad individuarla: è chiaro allora che, con questo ciclo
di lavori in cui emerge l'interesse e l'ammirazione per l'opera
di Marino Marini e Bruno Cassinari, la sigla grafica e pittorica
dell'artista si evolve diventando autonoma, originale e chiaramente
distinguibile, permettendogli così di raggiungere un traguardo
degno dei migliori pittori.
Lo stile espressionista dei primi anni Settanta si manifesta
anche in alcuni quadri aventi per oggetto la figura umana. Atelier
(foto
n. 14) e Figura
seduta (foto
n. 15), ad esempio,
sono due dipinti che rientrano perfettamente in questo ciclo,
esprimendo in maniera profonda il travaglio e l'inquietudine
dell'uomo contemporaneo.
Hanno un carattere marcatamente espressionista, inoltre, alcune
nature morte del 1975. In una di esse (foto n. 16), in modo particolare, si nota una fruttiera
distorta e disgregata da una sorta di vortice impetuoso che sembra
provenire dallo spazio: l'intensa carica emotiva dovuta all'uso
del colore, la forma in disfacimento ed il dinamismo che pervade
il dipinto tendono a trasmettere e a far rivivere in chi guarda
l'opera il senso di precarietà dell'esistenza.
Proprio verso la metà degli anni Settanta, il cammino
artistico di Francesco è contrassegnato da un nuovo cambiamento:
inizia un processo sempre più radicale di scomposizione
della forma, in cui si avverte l'influsso di Mondrian, e i colori
della sua tavolozza divengono più chiari, caldi e luminosi
(foto
n. 17). Come
sostiene giustamente Gabriella Zauli Guerra nel suo scritto Testimonianze
di una vita dedicata all'arte, tutto ciò è
indice di una visione più ottimistica della vita. Anche
la tecnica usata si arricchisce: Francesco inizia infatti ad
usare i colori a tempera su carta stropicciata che poi incolla
su superfici lisce e rigide, ottenendo un effetto increspato,
mosso e delicato (foto
n. 17).
Si arriva così all'esecuzione, nel 1979, delle prime gradevoli
composizioni astratte (foto
n. 18), le quali
contengono già, in nuce, alcuni elementi che troveranno
compimento nel successivo trentennio.
In ordine: FOTO N.
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